Меню

Как писать натюрморт с цветами маслом



Мастер класс. Голландский натюрморт с цветами

Поэтапность работы над натюрмортом

Натюрморт выполняется в течении 1.5-2 месяца в зависимости от размера.

Здесь представлены основные стадии написания голландского натюрморта, выполненного на холсте маслом 70х90см. Если Вам интересно более подробное представление о том как писался этот натюрморт и как добиться того, чтобы натюрморт выглядел как, как во времена расцвета этого жанра-Вам просто необходимо скачать полный мастер класс «Цветы и фрукты».

Все натюрморты выполняются в «стиле старых мастеров» с соблюдением всех традиций и технологий, которыми пользовались живописцы 17-18 веков и не являются точной копией какой-то определенной картины, а являются самостоятельнымы произведениями искусства, выполненные в единственном, эксклюзивном варианте.

Основные стадии мастер класса Голландского натюрморта с цветами

  • Портрет карандашом и подмалевокМастер класс. Голландский натюрморт
  • Подмалевок всего холстаМастер класс. Голландский натюрморт
  • Черновая прописка масломМастер класс. Голландский натюрморт
  • Тчательная прописка цветов и листьевМастер класс. Голландский натюрморт
  • Прописка верхнего тюльпанаМастер класс. Голландский натюрморт
  • Дальнейшая прописка деталейМастер класс. Голландский натюрморт
  • Прописка роз и нарцыссовМастер класс. Голландский натюрморт
  • Прописываем листья розы и ирисыМастер класс. Голландский натюрморт
  • Прописка примулы, стола, листьев розыМастер класс. Голландский натюрморт
  • Пишем лепестки у роз и пионМастер класс. Голландский натюрморт
  • После просушки пишем мелкие деталиМастер класс. Голландский натюрморт
  • Окончательная лессировка роз и столаМастер класс. Голландский натюрморт

Знаменитый фламандский и французский живописец Ян Ван Хейсум, мастер цветочного натюрморта. Родился в Антверпене. С 1776 обучался в Антверпенской АХ. В 1786 переехал в Париж, где начал писать натюрморты с цветами и плодами. Произведения художника очень быстро обрели известность и признание. В 1793 – 1833 был постоянным участником парижских салонов, экспонировал работы на выставках в Антверпене, Гааге, Генте и Брюсселе. Был членом Антверпенской и Амстердамской АХ. Покровителями и заказчиками мастера в разное время были Жозефина Богарне, Мария-Луиза Бонапарт, Людовик XVIII и Карл X. В творчестве переплелись традиции фламандского цветочного натюрморта и французской живописи. Занимался литографией. Писал также пейзажи, религиозные и аллегорические картины. Работы хранятся в Лувре, Музее Бойманса-ван Бёнингена в Роттердаме, Музее искусства и древностей Кембриджского университета, ХМ Руана, Лиона, Лилля, Гренобля и др.

Долгое время в иерархии живописных жанров натюрморт занимал последнее место. Даже в середине XVII века, когда в Голландии и Фландрии натюрморт находился на пике своего расцвета, французский теоретик искусства Андре Фелибьен продолжал утверждать, что «тот, кто изрядно пишет пейзажи, стоит выше пишущего единственно фрукты, цветы и раковины», а «тот, кто пишет живых животных, ценится больше, чем рисующие лишь мертвые и неподвижные вещи». Таким образом, голландский натюрморт оказывался в самом конце списка жанров, который возглавлял безусловный лидер — историческая живопись, затем шли портрет, жанровые сцены и пейзаж. Объяснение подобной несправедливости таится в самом названии жанра — «натюрморт» в переводе с французского означает «мертвая природа». Считалось, что изобразить набор красиво расставленных неподвижных вещей гораздо легче, чем придумать волнующую композицию на историческую тему или запечатлеть образ человека в портрете. Эта точка зрения, свойственная академическому искусству, не выдержала проверки временем: в XVIII веке французский писатель Дени Дидро выказывал свое восхищение натюрмортами Шардена в самой восторженной форме: «Как четки массы! Как одни предметы отражаются в других! Не знаешь, в чем именно кроется очарование, ибо оно разлито повсюду. ».

Читайте также:  Зимние ботильоны синего цвета

Название «натюрморт» (от фр. «nature morte» — «мертвая натура») появилось во Франции в начале XIX века, именно во французском варианте оно получило распространение в русской традиции. Принятый в Голландии термин «Stilleven» появился гораздо раньше, еще в 1650 году. Он имеет несколько иное значение и переводится как «неподвижная (тихая) жизнь». В такой трактовке термин «прижился» в немецкой («Stillleben») и английской («Still life») традиции. Определение «тихая жизнь» как нельзя лучше характеризует работы голландских мастеров XVII века. Хотя первые натюрморты в «чистом виде» появились в Италии, именно голландцы смогли придать этому жанру размах большого искусства. Натюрморты голландских мастеров отличаются красивой компоновкой предметов, изысканным колоритом и умением преподнести каждую вещь в наилучшем свете. Мягкое рассеянное освещение, сдержанные и изысканные цвета, разнообразие фактур выбранных вещей (серебро, перламутр, фаянс, шелк, бархат), отсутствие какого бы то ни было драматизма в подаче предмета — все эти особенности делают голландский натюрморт в нашим восприятии очень поэтичным. Это подлинная поэзия повседневности — изысканная и немного высокопарная.

Натюрморт в Голландии XVII века оказался жанром востребованным и популярным, поэтому очень скоро в большом потоке работ выделяются различные типы картин — цветы, «накрытые столы», кухни, «завтраки», ¦ десерты», ванитас и т. д. Складывается впечатление, что голландские художники вняли словам великого Леонардонардо да Винчи, который говорил о том, что «живописи не должен пытаться быть универсальным, так как он много теряет в достоинстве от того, что одну вещь делает хорошо, а другую плохо. ». У голландцев специализация была также обусловлена и географией: «. в разных городах ыли свои излюбленные виды натюрморта, и если живописцу случалось переехать в другой город, он часто резко пенял свое искусство и начинал писать тс разновидности канра, что были популярны в этом месте» (Н. Маркова). Не все типы голландского натюрморта возникли одноременно. Раньше всего начали писать рыночные сцены Питер Артсен), затем появились кухни (Иоахим Беке-:ар) и ранний цветочный натюрморт (Аброзиус Босхарт Старший), далее «накрытые столы» (Флорис Гсрритс ван Схотен, Флорис ван Дейк), «завтраки» (Питер Клас, Вилам Клас Хода), десерты (Абрахам ван Бейерен, Виллем Калф), «суета сует» (Якоб де Гейн Младший) и, наконец, ¦ роскошные» цветочные натюрморты (Ян Давиде де Хем, Абрахам ван Хёйсум).

В отличие от голландского натюрморта, обладавшего льшей камерностью, фламандский натюрморт демонстрирует монументальный размах. Картины Франса нейдерса —• одного из самых значительных фламандках живописцев, работавших в этом жанре, отличаются сложной, динамичной композицией и декоративизмом, присущими эпохе барокко. Снсйдерс, а за ним Ян Фейт, -Адриан ван Утрехт, Ян Давиде де Хем с поразительной жизнерадостностью изображали предметный мир во всей его полноте и изобилии, превращая свои картины в красочные гимны жизнелюбия.

Увлечение натюрмортом в XVII веке в той или иной степени затронуло почти все крупные европейские страны. Так, немецкие мастера ориентировались на картины голландских художников и писали преимущественно натюрморты двух типов: «накрытые столы» (Георг Фле-нель) и цветочные букеты (Питер Бинуа). Во Франции XVII века натюрморты — явление редкое. Любен Божен, -:Втор самых ярких французских натюрмортов первой половины XVII века, предпочитал писать картины на религиозные темы, а к натюрморту обращался эпизодически. Зато в Италии благодаря творчеству Эваристо Баскениса получил развитие натюрморт с изображением музыкальных инструментов. Испанские мастера Хуан Санчес Котан, Франсиско де Сурбаран предпочитают писать простые композиции из отдельных предметов, так называемые «бодегоны», где самая обыкновенная чашка или кочан капусты представлены так, будто это единственный и неповторимый в своем роде предмет.

Читайте также:  Курительная смесь белого цвета что это

Источник

Как писать натюрморт с цветами маслом

1. История масляной живописи

До настоящего времени не существует единого мнения о том, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. До конца не известно сущности его нововведения: употреблял ли он льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия.

Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.

Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века — живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. [1, С.45]

Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца — сначала рисунок, потом светотень, потом цвет.

Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательные стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка» и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. [1, С.63]

Читайте также:  Как женщина радуется цветами

Источник

Рисуем маслом натюрморт

Художник даже самые обыкновенные вещи видит по-особенному. Композиция для картины у него может получиться из всего вокруг. Сейчас мы рассмотрим пример написания натюрморта масляными красками, используя предметы кухонной утвари.

Что понадобится для написания картины маслом:

  1. Холст
  2. 5 цветов масляных красок: жженая сиена, французский ультрамарин, неаполитанская желтая, титановые белила, интенсивный желтый кадмий
  3. Уайт-спирит
  4. Кисти: плоские №4 и №12, орех №6
  5. Тряпочка
  6. Большой мастихин

Нет похожих записей

1. Окрашивание холста.

Нет похожих записей

2. Делаем эскиз натюрморта.

Нет похожих записей

3. Обозначаем темные и светлые места.

Нет похожих записей

4. Подмалевок фона.

Нет похожих записей

5. Добавляем новые темные тона в картину.

Нет похожих записей

6. Рисуем скатерть.

Нет похожих записей

7. Придаем цвет тарелке.

Нет похожих записей

8. Придаем разделочной доске объем и фактуру.

Нет похожих записей

9. Прорабатываем кувшин и миску.

Нет похожих записей

10. Завершаем работу с тенями.

Нет похожих записей

11. Завершаем написание синей тарелки.

Нет похожих записей

12. Еще немного темных тонов.

Нет похожих записей

14. Добавляем картине выразительности.

Нет похожих записей

  • А-Контраст и фактура. На картине четко видна контрастность предметов и хорошо прорисована их фактура. Контраст особенно явно просматривается в сочетании старой сковороды и новой блестящей посуды: тарелки и кувшина. У каждого предмета в натюрморте своя фактура, которую удалось изобразить с помощью несложных приемов.
  • Б-Блики. Использование белил позволило обозначить бликами источник света и форму кувшина. Также белые блики помогли прорисовать фактуру предметов из металла.
  • В-Просвечивающаяся грунтовка. Грунтовка, которая местами просвечивает сквозь нанесенную поверх краску, позволила лучше передать фактуру разных предметов, и особенно выщербленную часть миски.

Нет похожих записей

РЕКОМЕНДАЦИИ НАЧИНАЮЩИМ ХУДОЖНИКАМ

Придание объема предметам

Для создания объема предмета нужно обязательно помнить, что любая вещь имеет тень и здесь очень важно правильно ее изобразить. Тень, которую мы видим, зависит от источника освещения. В предлагаемом натюрморте источник света находится слева. При написании картины маслом нужно об этом помнить. Все предметы при таком свете будут выглядеть объемными, если правая сторона будет более темной, а левая более светлой. На нашей работе это видно на кувшине и миске.

Грунтовка цветом смягчает картину

Если перед работой загрунтовать холст в тон, близкий к тону краски, которой будет выполнен фон (в нашем случае — стена),то при написании картины делать тональные переходы будет значительно проще, а выглядеть они будут более естественно. Помимо этого — цветная грунтовка является отличным способом приглушить сияние белой грунтовки.

Наша художественная школа «Найди себя» готова всегда прийти на помощь начинающим художникам, поэтому для более эффективного обучения рисованию маслом, мы предлагаем вам пройти курсы живописи для взрослых и детей в Москве.

Источник